Research Studies/Études & Recherche : — [Studies - Multiple Instrument Works / Œuvres à Instruments Multiples ou Égaux] — [Steve Reich - Pendulum]
SLOW MOTION SOUND (STEVE REICH)troisième partie / Part 3 |
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Menu PENDULUM3 :
Presentation(Edit)
SLOW MOTION SOUND
Steve Reich
1967.
| Durée approximative | — | |
| Dates de composition | — 1967 | |
| Création | — | |
| Dispositif : | — partition-texte, pour bande magnétique —— conceptual text score, for tape | |
| Éditeur : | inédit |
Score(Edit)
 Steve Reich’s Slow Motion Sound, from his book "Writings About Music". In 1967, Reich considered this to be a "conceptual" score, since the technology wasn’t commonly available to do it (except for a very few tape recorders with a "rotating playback head"). | Slow Motion Sound very gradually slow down a recorded sound to many times its original length without changing its frequency or spectrum at all. Steve Reich 9/67. Son au Ralenti « Ralentissez très graduellement un son enregistré de plusieurs fois sa longueur originale sans aucunement modifier sa hauteur et son timbre. » Steve Reich septembre 67. |
— Notes on verbal score / Notes à propos des partitions graphiques, textuelles, etc.
Description(Edit)
| In drawing an explicit link between film and sound, Reich continued a longstanding search for a sonic equivalent of slow motion film. This type of gradual process employed by Reich involves the progressive augmentation of note values. This idea too developed out of a tape piece - in this case one which was never realised. The piece was entitled Slow Motion Music (1967) and the score reads : "Gradually slow down a recorded sound without altering its pitch or timbre". This was an extension of the idea originally explored by delaying the tape spool for It's Gonna Rain. The idea was to take a tape loop, possibly of speech, and gradually slow it down to enormous length so that its harmonic and timbral qualities were expanded for a more detailed appreciation. The piece was conceived as the auditory equivalent of a slow motion film which enables one to observe details that would normally pass unnoticed. While other composers were attracted to electronic music by its technical possibilities, Reich found the medium deficient. The idea behind slow motion music could not be realised by electronic means since, if a tape loop is slowed down by more than a fractional degree the harmonic and timbral qualities of the recorded sound will inevitably be altered. The idea could, however, be realised using live instruments. — [Source (Roger Sutherland)] In a letter to Robert Moog, creator of the Moog synthesizer, dated 5 October 1968, Reich traced his pursuit of slow motion sound back to September 1967, when he created a conceptual score. Reich wrote of his intention to pursue the idea, even if it took years. Elsewhere, Reich dates the roots of the idea for slow motion sound to 1963, “when I first became interested in experimental films, and began looking at films as analog to tape.” — [Steve Reich, “Slow Motion Sound (1967),” in Writings on Music, 26–29] Archived letters suggest that the poet-composer Jackson Mac Low may also have played a role in crystallizing the idea into a score in late summer 1967. In the weeks immediately following the “Four Pianos” concerts at Park Place Gallery, Reich and Mac Low exchanged a series of postcards and letters in which the latter pitched several ideas for new compositions. In a postcard, dated the same day as the last “Four Pianos” concert (19 March 1967), Mac Low penned a short text he called “Homage to Bessie”: My mind boggles at the genius of Bessie Smith. — (Jackson Mac Low, The Bronx, to Reich, Manhattan, 19 March 1967) An asterisk appeared next to the poem’s title, referencing the following footnote: “For Steve Reich to complete,” with instructions to record the text on tape loops and phase it against itself, in the style of It’s Gonna Rain and Come Out. On 1 April, however, Mac Low wrote the following : There is a device by which a taped sound can be speeded up [sic] without changing its pitch. […] In re: [Homage to] Bessie: My idea is to make use of such a device to stretch the original sounds, ever so slightly, in duration without altering amplitudes or frequencies. The following September, Reich produced the manuscript for Slow Motion Sound. Yet the Mac Low correspondence further highlights how complicated a thing authorship can be, especially in downtown New York in the late sixties. — (In David Allen Chapman, Collaboration, Presence, and Community : The Philip Glass Ensemble in Downtown New York, 1966-1976, Washington University in St. Louis, 2013, pp.43-44) | Une des œuvres les plus radicales de Steve Reich est sans doute Slow Motion Sound, une « partition » de 1967 qui, dans sa formulation, rappelle fortement les performances de La Monte Young. L’œuvre consiste dans les instructions suivantes : « Ralentir très graduellement un son pré-enregistré jusqu’à ce que sa durée soit égale à plusieurs fois la durée originale, et sans en changer ni la hauteur ni le timbre ». L’idée de Reich est de créer un processus progressif de dilatation temporelle d’une courte boucle sonore, provenant de préférence d’un enregistrement de voix parlée, ce qui provoquerait, outre l’allongement de la durée, la mise en évidence de tous les détails sonores, inaudibles dans une temporalité normale [REICH, Steve, Écrits et entretiens sur la musique, trad. Bérénice Reynaud, Paris, Bourgois, 1981, pp.55-56]. Évidemment irréalisable par les technologies de l’époque, ce projet est resté sur le papier mais a donné naissance en 1970 à Four Organs, qui en est une sorte d’adaptation instrumentale. — [Jérôme Baillet, Flèche du temps et processus dans les musiques après 1965] Aujourd'hui cette technique est largement abordable par les outils numériques ; ce ralenti sonore s'appelle time stretching (étirement temporel). Dans une lettre à Robert Moog, l'inventeur du synthétiseur Moog, datée du 5 octobre 1968, Steve Reich retrace sa poursuite de la notion de son ralenti en plaçant le début de cette investigation au mois de septembre 1967, lorsqu'il a composé la partition-texte. Steve Reich indique son intention de creuser et de poursuivre cette idée, même si cela pourrait prendre des années. Dans un autre texte, il date l'origine de ce projet de son ralenti en 1963, "lorsque je me suis d'abord intéressé au cinéma expérimental et que j'ai commencé à considérer l'analogie entre un film (la pellicule et la vitesse de déroulement de la projection, tout comme le ralenti à la caméra) et la bande magnétique." — [Steve Reich, “Slow Motion Sound (1967),” in Writings on Music, 26–29] —— L’étude de la correspondance archivée entre Jackson Mac Low et Steve Reich permet de voir que Mac Low, poète et compositeur, qui a publié avec La Monte Young en 1963 An Anthology of Chance Operations, a joué un rôle dans la formulation de la partition de Steve Reich, à la fin de l’été 1967. Dans les semaines qui ont suivi les concerts Four Pianos à la Park Place Gallery, Steve Reich et Jackson Mac Low ont échangé par cartes postales et lettres interposées dans lesquelles ce dernier a lancé plusieurs idées pour de nouvelles compositions. Dans une carte postale datée du même jour que que le dernier concert de la série Four Pianos (le 19 mars 1967), Mac Low écrit un court texte Hommage à Bessie : Mon esprit rebondit au génie de Bessie Smith. — (Jackson Mac Low, The Bronx, à Reich, Manhattan, le 19 mars 1967) Une astérique à la suite du titre du poème renvoie en bas de page : Pour Steve Reich, à finaliser, avec les recommandations pour enregistrer le court texte, le mettre en boucle et le déphaser sur lui-même, dans le style de It’s Gonna Rain et de Come Out. Le 1er avril suivant, Mac Low écrit ceci : Il y a un appareil qui permet d’accélérer [sic] une bande magnétique sans changer la hauteur. […] Dans re : [Hommage à] Bessie Smith, mon idée est d’utiliser un tel appareil pour étirer l’enregistrement original, même très légèrement, en durée sans modifier le volume ni les hauteurs. Le mois de septembre suivant, Steve Reich réalisa la partition manuscrite de Slow Motion Sound. La correspondance entre Mac Low et Steve Reich éclaire bien la complexité de déterminer qui est l’auteur de quoi, spécialement dans l’ambiance dynamique de New York downtown à la fin des années 60. — (In David Allen Chapman, Collaboration, Presence, and Community : The Philip Glass Ensemble in Downtown New York, 1966-1976, Washington University in St. Louis, 2013, pp.43-44) |
Slow Motion Sound (indications Steve Reich)(Edit)
| Here are Steve Reich’s notes for Slow Motion Sound (1967). (fac-simile, in Steve Reich, Writings About Music, The Press of the Nova Scotia College of Art and Design, 1974, pp 14-16.) — Slow Motion Sound (1967) has remained a concept on paper because it was technologically impossible to realize. The basic idea was to take a tape loop, probably of speech, and ever so gradually slow it down to enormous length without lowering its pitch. In effect it would have been like the true synchronous sound track to a film loop gradually presented in slower and slower motion. The roots of this idea date from 1963 when I first became interested in experimental films, and began looking at film as an analog to tape. Extreme slow motion seemed particularly interesting since it allowed one to see minute details that were normally impossible to observe. The real moving image was left intact with only its tempo slowed down. Experiments with rotating head tape recorders, digital analysis and synthesis of speech, and vocoders all proved unable to produce the gradual yet enormous elongation, to factors of 64 or more times original length, together with high fidelity speech reproduction, which were both necessary for musical results. The possibility of a live performer trying to speak incredibly slowly did not interest me since it would be impossible, in that way, to produce the same results as normal speech, recorded, and then slowed down. I was able to experiment with a tape loop of a little African girl learning English by rote from an African lady schoolteacher in Ghana. The teacher said, "My shoes are new", and the little girl repeated, "My shoes are new." The musical interest lay in the speech melody which was very clearly [the pitches] e', c#', a, b [ ' means the higher octave of the pitch] both when the teacher spoke and when the little girl responded. Since African languages are generally tonal, and learning the correct speech melody is as necessary for understanding as is the correct word, this was simply carried over into the teaching of English. The loop was slowed down on a vocoder at the Massachusetts Institute of Technology to approximately 10 times its original length, in gradual steps, without lowering its pitch. Though the quality of speech reproduction on the vocoder was extremely poor it was still possible to hear how "My", instead of merely being a simple pitch, is in reality a complex glissando slowly rising from about c# up to e', then dissolving into the noise band of "sh", to emerge gradually into the c#' of "oe", back into the noise of "s", and so on. Slowing down the motion in musical terms is augmentation; the lengthening of duration of notes previously played in shorter note values. Though Slow Motion Sound was never completed as a tape piece, the idea of augmentation finally realized itself in my music as Four Organs of 1970, and then again in Music for Mallet Instruments, Voices and Organ of 1973. Though by now I have lost my taste for working with complex technology I believe a genuinely interesting tape piece could still be made from a loop of speech, gradually slowed down further and further, while its pitch and timbre remain constant. — (Steve Reich)  → [Download fac-simile Writings about Music 1974 (jpg)] | —— Slow Motion Sound (1967) est resté au stade de l'intention couchée à l'écrit car à l'époque il était impossible de réaliser une telle œuvre avec les techniques disponibles. L'idée était de prendre une boucle d'un son pré-enregistré, un enregistrement d'une voix de préférence, et de la ralentir progressivement et graduellement en continu sur une très longue durée sans que la hauteur ne change. L'effet résultant aurait pu correspondre à ce que donnerait la bande-son d'un film qui serait ralenti au fur et à mesure jusqu'à pratiquement le gel de l'image. L'origine de cette idée date de 1963 à peu près lorsque je m'intéressais au cinéma expérimental et que je commençais à envisager qu'un film pouvait être considéré de manière analogique comme une bande magnétique. Un ralentissement extrême semblait vraiment intéressant à exploiter dans le sens qu'une telle technique pourrait permettre de voir des détails très fins qu'il serait impossible d'observer dans des conditions normales. L'image resterait inaltérée et seulement son défilement serait ralenti. Les expériences faites depuis avec les enregistreurs à bande avec tête (tambour) en rotation [ou tête d'enregistrement sonore rotative comme plus tard dans les lecteurs/enregistreurs DAT et les magnétoscopes], avec la synthèse et l'analyse numériques de la voix, ainsi que le vocodeurs [dispositif électronique de traitement du signal sonore qui fabrique un son synthétique à partir de l’analyse des composantes spectrales de la voix ou d’un son.], montrent toutes qu'il est très difficile de produire une élongation évolutive continue et très très longue [quasi-infinie ?] , qui pourrait aller jusqu'à 64 fois ou plus de la durée d'origine, tout en garantissant une reproduction sonore impeccable, de haute définition, qui est absolument nécessaire pour une production musicale. La possibilité qu'un interprète tentant de parler le plus extrêmement lentement possible ne me semble pas d'un grand intérêt puisqu'il serait quasiment impossible d'obtenir de cette façon un résultat exploitable comparé à ce qui serait possible de faire avec une voix enregistré puis ralentie. J'ai pu expérimenter ceci avec un enregistrement mis en boucle de la voix d'une jeune fille africaine qui apprenait l'anglais auprès d’une enseignante au Ghana. L’enseignante disait la phrase "My shoes are new", et la jeune fille répétait à sa suite, "My shoes are new." L’intérêt musical que j’y ai vu résidait dans le fait que la mélodie parlée correspondait clairement [aux hauteurs suivantes] mi’, do dièse’, la, si [ le signe ' désignant une hauteur à l’octave au-dessus] autant quand l’enseignante parlait que dans la réponse de la jeune fille. Depuis que les langues africaines sont pour la plupart tonales, et que l’apprentissage d’une intonation correcte dans une langue est nécessaire pour la compréhension du sens, on peut remarquer que c’est aussi le cas pour l’apprentissage de la langue anglaise. La boucle de l’enregistrement [de la phrase] a été ralentie graduellement jusqu’à 10 fois sa durée d’origine à l’aide d’un vocoder au MIT Massachusetts Institute of Technology [à Boston] sans modifier sa hauteur. Malgré que la qualité sonore d’un vocoder soit très pauvre, il était encore possible de distinguer comment le "My", au lieu d’être perçu simplement comme une hauteur, correspondait en réalité à un glissando complexe du do dièse au mi’, se dissolvant ensuite dans un son bruissé "sh", avant de réémerger petit à petit dans le do dièse du "oe", et de de retourner dans le bruissement du "s", etc. La décélération et le ralentissement correspondent en termes musicaux à une augmentation [de] l’allongement des durées des notes jouées préalablement en valeurs courtes. Bien que Slow Motion Sound n’ait jamais été réalisée en tant que pièce électronique, j’ai utilisé ensuite ce principe d’augmentation dans ma musique, dans notamment Four Organs (1970), et aussi dans Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973). Bien que j’ai perdu aujourd’hui l’intérêt à travailler avec des techniques et des technologies complexes, je crois que réaliser une œuvre [pour bande] utilisant une boucle de voix parlée, progressivement ralentie jusqu’à l’extrême, tout en maintenant sa hauteur et son timbre à des valeurs constantes, reste d’un intérêt majeur. — — (Steve Reich) |
Slow Motion Sound / Stop Action Sound (Son Ralenti - Son Statique)(Edit)
Dolly, movement of Three Tales, by Steve Reich and Beryl Korot
→ [Access to the Three Tales libretto (including Act3 - Dolly) — (Steve Reich website)]
— In June 1981, Steve Reich visits to IRCAM to investigate potential for “slow-motion sound”, but he found the results musically unsatisfactory. (Source : Keith Potter, Kyle Gann, "The Ashgate Research Companion to Minimalist and Postminimalist Music") Reich would not realize this particular technological ambition until his second video opera, Three Tales [into the last movement entitled Dolly] (1997-2002), which he began in the late 1990s. He incorporated the technique again in WTC 9/11. — [Ryan Scott Ebright, ECHOES OF THE AVANT-GARDE IN AMERICAN MINIMALIST OPERA, A dissertation submitted to the faculty at the University of North Carolina at Chapel Hill in partial fulfillment of the requirements for the degree of Doctor of Philosophy in the Department of Music, Chapel Hill, (2014), p105)] | En 1981, Reich travaille à nouveau sur cette œuvre, que la technologie informatique de l'IRCAM rend alors possible, sans que le résultat ne le satisfasse. (Ref. Johann Girard, "Répétitions: l'esthétique musicale de Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass") Grâce aux progrès technologiques, il peut l'utiliser à partir de 2001 pour la première fois dans Dolly, dernier mouvement de Three Tales, œuvre de musique et création multimedia de Steve Reich et Beryl Korot, créée en 2002. « Une des premières [innovations de la technologie dite domestique], le son ralenti, consiste à ralentir une voix, ou un autre son, sans en changer ni le ton ni le timbre. La seconde [innovation] est l’équivalent de l’arrêt sur image au cinéma. Pendant qu’une des personnes interviewées est à l’image et parle, j’augmente la durée d’une seule voyelle pour qu’elle devienne une sorte de trainée de vapeur audible et qu’elle s’intègre à l’harmonie. Ce que la personne interviewée était en train de dire, sa pensée même, se prolonge ainsi, en même temps que la voyelle, dans ce qui suit. » — [Steve Reich (2002), « Three Tales : A theater of Ideas. Propos recueillis par David Allenby, novembre 2001 », dans Programme du Festival d’Automne, 29 novembre 2002, p. 4-7] Dans plusieurs passages de l'acte 3 de Three Tales (2002), intitulé Dolly, Steve Reich réalise cette technique du son ralenti sans altération du timbre et de la hauteur, à l'image d'un son gelé ou rendu statique. Il utilisera à nouveau cette technique dans une œuvre suivante WTC 9/11 [lire ici une analyse de cette œuvre], pour un quatuor à cordes accompagné par des voix et deux quatuors à cordes préenregistrés, et créée en 2011. Écoutez l'exemple en mp3 ci-dessous d'un passage de cette œuvre. |
Three Tales - Act 3 Dolly - excert Human Body Machine (Steve Reich)
Examples of Stop Action Sound.
| — Along with slow motion sound there will also be another new technique I call stop action sound. Its the exact equivalent of a freeze frame in film. As somebody is talking, one vowel becomes a held tone as for instance, ‘zerooooooooo’. Then somebody else starts talking while the previous speaker’s vowel tone is still held. It becomes part of the harmony of the piece. It also reflects what happens when someone says something to you that gets to you emotionally. The conversation continues, but you still keep part of your mind on what was said before. — (Steve Reich, in "From New York to Vermont: Conversation with Steve Reich", interview by Rebecca Y. Kim) — [Source] | Depuis Slow Motion Sound, cette œuvre conceptuelle imaginée en 1967, Reich souhaite réaliser sur le plan sonore un peu l'équivalent de l'arrêt sur image au cinéma. À la fin de chaque segment de phrase, la voix de la personne enregistrée est maintenue sur la dernière voyelle. Reich compare cet effet à une trainée de vapeur qui s'intègre à la trame harmonique. Ainsi, tel un halo sonore, le timbre de la voix perdure plusieurs secondes et nimbe le discours musical qui suit. On peut ainsi constater que l'aura de la personne interviewée s'étend bien au-delà de la simple intervention vocale. Prémonition instrumentale et réminiscence par la technique du stop action sound amplifient la pensée du locuteur et rayonnent ainsi sur l'ensemble de la pièce. — (Selon Patrick Revol) — [Source] | |||||||||
— In 2009 the Kronos Quartet asked me for a piece using pre-recorded voices. My first idea was to elongate the speaker's final vowels or consonants. Stop Action sound. Impossible in 1973 when I first thought of it. Possible in 2001 when Dolly was begun. In this piece it was to be, and is, the means of connecting one person to another – harmonically. — (Steve Reich) — [Source] — When I started the piece, I had no idea what it was going to be about. All I knew was that I was going to take vowels that end a word and elongate them. So if someone said, "zero," it would be "zeroooooooo," and the "o" would go on indefinitely. — (Steve Reich) | Steve Reich parle alors de Stop Action Sound à la place de Slow Motion Sound : — En 2009, le Kronos Quartet m'a commandé une pièce utilisant des voix préenregistrées. Ma première idée a été de prolonger les voyelles ou les consonnes finales du locuteur. Son en "stop action". Impossible en 1973 lorsque j'y ai pensé pour la première fois. Possible en 2001 quand j'ai commencé Dolly. Dans cette pièce, cela devait être, et c'est, le moyen de connecter – harmoniquement – une personne avec une autre. Je n'avais aucune idée de qui devait parler. Le sujet était sans importance. — (Steve Reich) Cette technique poursuit comme dans ses autres œuvres celle de speech melody, qui consiste à traduire au plus près musicalement les inflexions d'une phrase parlée, en trouvant les notes exactes, le rythme et le tempo des paroles prononcées, la langue américaine, naturellement chantante, se prêtant parfaitement à ce type de travail. Le stop action sound est une conception inextricablement liée à celle de la speech melody. — Quand j'ai débuté cette œuvre, je n'avais pas la moindre idée de ce que cela pouvait donner. La seule chose que je savais c'est que j'allais prendre les voyelles qui terminent un mot et les allonger. Ainsi si quelqu'un disait "zéro" cela deviendrait "zeroooooooo", et le "o" pourrait se poursuivre indéfiniment. — (Steve Reich) |
WTC 9/11 (2010) performed by Kronos Quartet.
00:00 — part I. 9/11
03:40 — part II. 2010
11:06 — part III. WTC
WTC 9/11 (2010) performed by ACME American Contemporary Music Ensemble, live from New York City's (Le) Poisson Rouge, in a broadcast collaboration with Q2 Music that originally aired on Sept. 11, 2012. — (starting time : 44mn49)
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