Research Studies/Études & Recherche : — [Studies - Multiple Instrument Works / Œuvres à Instruments Multiples ou Égaux] —
PENDULUM MUSIC (STEVE REICH)sixième partie / Part 6 |
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Description(Edit)
PENDULUM MUSIC
Steve Reich
1968
pour trois microphones ou plus, amplis, haut-parleurs et exécutants.
| Durée approximative | — 5-10-12 minutes | |
| Dates de composition | — 1968 | |
| Création | — 08/1968, University of Colorado, Boulder, par William T. Wiley et Steve Reich — [and first presented at the Hansen-Fuller Gallery, San Francisco in 1968 ?] — 27/05/1969, Whitney Museum of American Art, New York — Anti-Illusion: Procedures/Materials collective exhibition / performers : Bruce Nauman, Steve Reich, Richard Serra, Michael Snow, James Tenney | |
| Éditeur : | Universal Edition, London : Universal Edition, Cop. 1980 |
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : Ensemble Avantgarde - Pendulum Music (I) - first version - 4 microphones - Wergo WER 6630-2 1997)
| Steve Reich composed Pendulum Music in 1968, the same year in which he penned his famous minimalist manifesto Music As a Gradual Process. "Listening to an extremely gradual musical process opens my ears to it," Reich wrote in this seminal essay. "That area of every gradual (completely controlled) musical process, where one hears the details of the sound moving out away from intentions, occurring for their own acoustic reasons, is it." Pendulum Music is, as it were, a sound-generating device consisting of microphones and loudspeakers that visualize the musical process as a pendular motion of microphones: this is why Reich describes this piece as audible sculpture. Forming a musical proceeding around the microphones’ physical movement, Reich reveals the process of generating sound in the actual space and foregrounds the “real” time in which the pendulums move. While a number of Reich's works, particularly those composed before the mid-'70s, reflect this interest in completely transparent musical processes — that is, processes that are clearly audible — Pendulum Music takes the idea one step further by making the process clearly visible, all but eliminating the performer's role in carrying the process through to a conclusion. Reich composed the piece while working on a project at the University of Colorado : he states that this event (entitled Over Evident Falls) was first presented at the Hansen Gallery, San Francisco in 1968 (with the collaboration of Bill Wiley and the presence of Bruce Nauman). After a performance for two microphones (with loudspeakers including in tape recorders) in ultraviolet light amid a shower of fluorescing soap flakes at the University of Colorado event Over Evident Falls [another work by Reich were associated to Pendulum Music, it was My Name Is], Pendulum Music was presented at the Whitney Museum as part of the Anti-Illusion: Procedures/Materials event and exhibition, including concerts as well. [The concert "An Evening of Evening by Steve Reich, on May the 27th, 1969, Reich performed the pieces Violin Phase (1967), Pendulum Music (1968), Four Log Drums (1969), and Pulse Music (1969).] At some point, he apparently got carried away with the cowboy culture of the west and began swinging a microphone around like a lasso; the speaker feedback this produced suggested to him the novel idea for a composition. The resulting piece calls for two, three, or four microphones suspended upside down by their chords so they dangle (like pendulums) above the loudspeakers to which they are connected. The performers' only task in setting the process in motion is to pull the microphones back and let them loose to swing above the speakers, which are set just loud enough to create a squeal of feedback each time the microphones pass above them. They then seat themselves and, like the audience, observe the process carry itself out. When the microphones come to a standstill above the speakers (and the squeal becomes constant), the performers end the piece by unplugging the amplifiers. This rigorous application of acoustical process has become something of an emblem of minimalism at its most austere; in fact, an early performance of the piece at the Whitney Museum included composer James Tenney, artists Bruce Nauman and Michael Snow as well as sculptor Richard Serra. The piece also attained something of a cult status when it was performed by experimental rockers Sonic Youth on their 1999 album Goodbye 20th Century. — (description by Jeremy Grimshaw) | La pièce faisait à l'origine partie d'un spectacle multimédia, Over Evident Falls, créé en collaboration avec Bill Wiley (et en présence de Bruce Nauman), lors d'une école d'été à l'Université du Colorado à Boulder. Le spectacle, décrit par Reich comme un « happening pensé à la va-vite », se déroulait sous un pluie de faux flocons de neige, éclairés par une lumière noire. Une photo d’une autre performance, celle du 2 mai 1969 au Whitney Museum of American Art de New York, montre Richard Serra, James Tenney, Bruce Nauman et Michael Snow comme exécutants. Le principe sonore de la pièce est simple et repose sur le mouvement de balancement imprimé à des microphones suspendus au dessus d'enceintes provoquant un effet périodique de larsen. La « partition » de l'œuvre, qui est en réalité un simple texte manuscrit de Reich, a été écrite en août 1968, et révisée en mai 1973 par le compositeur. Cette installation/performance est constituée de trois, quatre (ou plus) microphones suspendus au-dessus d'enceintes mises en position repos, mais réglées de façon à créer un feed-back (larsen) lorsque son microphone associé passe à sa verticale mais pas lorsqu'il s'en éloigne. Un exécutant va fournir le mouvement de balancier initial des microphones qui à chaque passage à la verticale de l'enceinte vont créer des sons de type percussion dans un premier temps puis progressivement du type de ceux produits par un saxophone. Ces sons sont amplifiés et diffusés à l'auditoire. L'installation, se comportant alors comme une machine aléatoire et autonome en fonction des conditions initialement appliquées (et variables) aux microphones et de la structure des câbles soutenant ceux-ci, va générer des sons qui vont naturellement se décaler dans le temps. Par le principe mécanique d'amortissement de l'oscillation des micros, les sons individuellement produits par chacun d'eux seront changeants dans leur fréquence et leur durée en fonction des conditions initiales appliquées à chaque unité. Dans un lent processus de ralentissement, l'amplitude du balancement diminue, des effets de déphasage se produisent entre les différents microphones. La partition précise que les exécutants, une fois les micros lancés, rejoignent alors l'audience et regardent l'exécution de la pièce. La forme de la pièce se fond alors dans le lent processus qui est fonction de la durée des balancements des microphones jusqu'à la stabilisation au dessus des enceintes créant alors des effets de larsens continus. À la périodicité et au rythme du début de la pièce se substitue peu à peu des fréquences modulantes déplaçant l'écoute non plus sur le rythme mais sur le paramètre de la hauteur. L'écoute se porte également sur le phénomène acoustique et les variations de plus en plus infimes de la structure du larsen lorsque les microphones oscillent lentement, proches de l'immobilisation. L'interprétation s'arrête lorsque les microphones s'immobilisent au-dessus des enceintes : le système est alors débranché. Chaque représentation de l'œuvre est par définition physiquement unique et non reproductible. Puisque c'est une œuvre jouée en direct et qui de plus utilise des effets de larsens et de feedback, elle est différente selon l'espace dans lequel elle est jouée, selon le protocole de performance qui est adopté, et selon les configurations techniques (matériels, haut-parleurs, microphones, etc.) qui sont utilisées. Elle expose en fait une partie de la théorie de Reich sur le phasage en musique et donne à « voir » le processus. L'exécution de cette œuvre est d'une durée variable d'environ 5 à 10 minutes, suivant les conditions initiales appliquées. — (selon Philippe Langlois - [Source] |
Pendulum Music (Steve Reich)(Edit)
STEVE REICH on "Pendulum Music" (April 2000) I was spending the summer in New Mexico, living and working out there in '68. I went up to Boulder to collaborate with a friend of mine, William Wyley, who's a painter. We were trying to put together a 'happening' with sculpture, black light. While we were working on that, Bruce Nauman, who was a student of Wyley, stopped by. The three of us were in this room and I had one of these Wollensack tape recorders - they're these funky 1950's models with a cheap electric microphone. It was an old machine by then. I had holding the microphone, which was plugged into the back of the machine so it could record. The speaker was turned up. Being out West, I let it swing back and forth like a lasso. As it passed by the speaker of the machine, it went 'whoop!' and then it went away. We were all laughing at this and the idea popped into my mind that if you had two or three of these machines, you would have this audible sculpture phase piece. The event that Wyley and I did was the first use of this piece, done with two machines. When it was done as a concert piece at the Whitney Museum in 1969, during an event of my music, it was 'performed' by Bruce Nauman, Michael Snow, Richard Serra, James Tenney and myself. They pulled back their measured microphones and I counted off 4-4 and on the downbeat, they all let it go and sat down, including me. Then the microphones begin to 'whoop!' as they pass in front of the speaker because the microphones had been preset to be loud enough to give feedback when it's in front of the speaker but not when it swings to the left and the right. Over a period of ten minutes, which was a little too long for my taste, and as the pendulums come to rest, you entered a pulsing drone. Once it hit the drone, I would pull the plug on the machine and the whole thing ended. It's the ultimate process piece. It's me making my peace with Cage. It's audible sculpture. If it's done right, it's kind of funny. Conceptually, it fits hand-in-glove with my other work. It's a phase piece, a process piece. It's the idea of a piece that runs on its own once you set it up and load it and you can walk away. In terms of what I've done from '65 to the present, it's a totally oddball piece. It's not a piece that needs to be done very often. I was not interested in recording (it). The Avant Garde Ensemble recording is very good - the pitch content becomes kind of a phase piece. They wisely did several versions and presented them all- it's the only piece of mine that doesn't have a sonic outcome. I never have been close to John Cage but this piece was a way of saying "OK, here it is but it isn't!" — (Steve Reich — [Source]) |
Performing and listening to a gradual musical process resembles: pulling back a swing, releasing it, and observing it gradually come to rest; turning over an hour glass and watching the sand slowly run through to the bottom; placing your feet in the sand by the ocean’s edge and watching, feeling, and listening to the waves gradually bury them. — (Steve Reich, Writings on Music, p. 34; and in Anti-Illusion: Procedures/Materials, exhibition catalogue, New York: Whitney Museum of American Art, 1969, pp. 56-57) | A pendulum is not a musician. So of all my pieces that was the most impersonal, and was the most emblematic and the most didactic in terms of the process idea, and also most sculptural. In many ways you could describe Pendulum Music as audible sculpture, with the objects being the swinging microphones and the loudspeakers. I always set them up quite clearly as sculpture. It was very important that the speakers be laid flat on the floor, which is obviously not usual in concerts. — (Reich, “Steve Reich: Interview,” in Studio International (November/December 1976), p. 305; reprint, as “Second Interview with Michael Nyman,” in Writings on Music, p. 95.) |
Score - v.1968 & v.1968 rev 1973(Edit)
 |   (fac-simile, in Steve Reich, Writings About Music, The Press of the Nova Scotia College of Art and Design, 1974, pp 12-13.) | |||
Pendulum Music For microphones, amplifiers speakers and Performers 2, 3, 4 or more microphones are suspended from the ceiling by their cables so that they all hang the same distance from the floor and are all free to swing with a pendular motion. Each microphone’s cable is plugged into an amplifier which is connected to a speaker. Each microphone hangs a few inches directly above or next to it’s speaker. The performance begins with performers taking each mike, pulling it back like a swing, and then in unison releasing them all together. Performers then carefully turn up each amplifier just to the point where feedback occurs when a mike swings directly over or next to it’s speaker. Thus, a series of feedback pulses are heard which will either be all in unison or not depending on the gradually changing phase relations of the different mike pendulums. Performers then sit down to watch and listen to the process along with the audience. The piece is ended sometime after all mikes have come to rest and are feeding back a continuous tone by performers pulling out the power cords of the amplifiers. Steve Reich 8/68 | Pendulum Music For microphones, amplifiers speakers and Performers Three, four or more microphones are suspended from the ceiling or from microphone boom stands by their cables so that they all hang the same distance from the floor and are all free to swing with a pendular motion. Each microphone’s cable is plugged into an amplifier which is connected to a loudspeaker. Each microphone hangs a few inches directly above or next to its speaker. Before the performance each amplifier is turned up just to the point where feedback occurs when a mike swings directly over or next to its speaker, but no feedback occurs as the mike swings to either side. This level on each amplifier is then marked for future reference and all amplifiers are turned down. The performance begins with performers taking each mike, pulling it back like a swing, and then holding them while another performer turns up the amplifiers to their pre-marked levels. Performers then release all the microphones in unison. Thus, a series of feedback pulses are heard which will either be all in unison or not depending on the gradually changing phase relations of the different mike pendulums. Performers then sit down to watch and listen to the process along with the rest of the audience. The piece is ended sometime shortly after all mikes have come to rest and are feeding back a continuous tone by performers pulling out the power cords of the amplifiers. Steve Reich 8/68 revised 5/73 |
— Notes on verbal score / Notes à propos des partitions graphiques, textuelles, etc.
Differences - v.1968 & rev 1973(Edit)
to use minimum 3 microphones — utiliser au minimum 3 microphones ——— the possibility to use microphone stands ———— la possibilité d'utiliser des pieds de micro the necessity to adjust and fix the sound levels before the performance — nécessité de régler et d'adjuster les niveaux sonores des amplis precision about the performance's process : the four performers take place while holding the mikes and stay still ; a fifth performer open the sound up (according to the pre-marked levels) before they pull them back. — précision sur le protocole de la performance : les quatre interprètes prennent place en tenant les micros et restent fixes ; un cinquième interprète ouvre le son (selon les réglages préétablis) avant que les lanceurs ne lâchent leurs micros. deleted precision because of the new one above ; but this indication could be used for a alternative variation when performers can control and adjust their own sound levels on guitar amplifier. — précision supprimée en conséquence de celle indiquée au-dessus ; mais cette information pourrait être utilisée pour une variation lorsque les interprètes peuvent contrôler et régler leurs propres niveaux sonores en utilisant des amplis guitares. ———performers = listeners ———— les interprètes font partie des auditeurs (du public) useful precision about the end of the performance : let the continuous sound of the 4 mikes play a short time ———— précision utile : laisser le son continu des micros durer un peu. |  |
Version française - v.1968 rev 1973(Edit)
— (possibilité de réaliser à beaucoup de microphones) ——— (les longueurs et les forces/distances des lâchers induisant l’amplitude des balancements et la durée de la performance) — (les longueurs de câbles peuvent-elles ne pas être égales ?) —— (à un haut-parleur ou à un haut-parleur amplifié) —— (travail de répétition pour régler les amplis et travailler sur les lâchers des interprètes ; le cinquième interprète peut rester à la console [comme Reich lors de la performance au Whitney Museum en 1969] et "jouer" sur les niveaux : plus élevés lorsque les balancements sont amples afin d'avoir des sons/pulsations "filé(e)s", et moins élevés à la fin des balancements pour avoir des tenues/larsens pas trop extrêmes) ——— (des variations d’interprétations peuvent être réalisées selon la force/distance des lâchers et des désynchronisations au moment des lâchers de microphones) —— (pour la fin, le cinquième interprète peut gérer un cut final ou un fade out ; le débranchage des amplis par les quatre interprètes étant une opération délicate puisqu'ils devront sortir du public et donc en quelque sorte "performer" la fin de la pièce ; ce qui ne semble pas approprié) | Musique Pendulum pour microphones, haut-parleurs amplifiés et interprètes Trois, quatre ou plus, microphones sont suspendus par leurs câbles à partir du plafond ou de pieds de microphones, ainsi ils pendent tous à une hauteur égale du sol de façon à balancer le plus librement possible selon un mouvement pendulaire. Chaque microphone et câble est branché sur un amplificateur connecté à un haut-parleur. Chaque microphone est suspendu à quelques centimètres directement, ou en léger décalage, au-dessus du haut-parleur correspondant. Avant la performance, chaque volume des amplis est réglé au seuil de l’apparition du larsen lorsque un microphone balance au-dessus ou à l’approche du haut-parleur. Aucun larsen ne doit être produit ou déclenché lorsque le microphone se trouve dans sa course au-delà du périmètre du haut-parleur. Chaque réglage du niveau de volume des amplificateurs doit être bien repéré avant d’exécuter la performance et après ceci tous les amplificateurs doivent être éteints. La performance commence lorsque les interprètes se saisissent de leur microphone respectif, les amènent à l’amplitude maximale de la course des câbles et les maintiennent ainsi en hauteur au bout de leur bras pendant qu’un autre interprète allume les amplificateurs réglés au niveau sonore préalablement fixé. Les interprètes lâchent alors les microphones à l’unisson. Ainsi se produisent et se font entendre des séries d’impulsions de larsens qui sont soient synchronisées ou pas selon l'évolution progressive et des décalages des phases et des amortissements des différents balanciers de microphones. Une fois les microphones lancés les interprètes rejoignent le public d’auditeurs pour suivre et écouter avec eux le résultat sonore. L’œuvre s’achève peu de temps après que tous les microphones se retrouvent au repos au-dessus des haut-parleurs et produisent ensemble une matière sonore continue, et lorsque les interprètes débranchent des amplis les câbles des microphones. Steve Reich, août 1968, révisé en mai 1973. |
Performance 1 - 08/1968 Over Evident Falls(Edit)
En août 1968, Steve Reich présente pour la première fois Pendulum Music dans un événement intitulé Over Evident Falls durant un séminaire d'été à l'Université de Colorado à Boulder. Dans cet événement/spectacle multimedia/happening, Pendulum Music faisait partie d'une installation travaillée avec l'artiste William T. Wiley et avec l'assistance de Bruce Nauman, un de ses anciens étudiants. Un grand sac plastique de flocons de neige couleur ivoire remplissait l’espace de la performance éclairée par de la lumière noire (ultraviolet) et le tout ressemblait à une sorte de neige luminescente. Les flocons tombaient sur une balançoire sur les côtés de laquelle étaient suspendus deux microphones. Le mouvement de la balançoire équipée des deux microphones branchés à deux magnétophones amplifiés (chacun d’eux ayant une amplification et un haut-parleur intégré) placés dessous, produisait un son quasi-unisson. Le titre de l’événement Over Evident Falls, quasi-surréaliste, collait à l’humour de Bill Wiley : les flocons ressemblaient pour lui évidemment à une cascade. Pour cette version et pour avoir plus de facilité et jouer sur la vitesse ou l’expression, Steve Reich avait insisté pour utiliser une musique en simultané. Une partie de Piano Phase — sans doute que le début de cette œuvre, d’après Steve Reich — était joué par le compositeur lui-même en direct et en superposition avec la partie pré-enregistrée, nécessaire pour générer les déphasages. My Name Is fut aussi performée lors de cet événement. Steve Reich distordait plusieurs voix pré-enregistrées énonçant des phrases sans signification construites à la volée sans doute par une manipulation de Wiley qui distribuait des cartes sur lesquelles des mots et des syllabes sans sens prédéterminé étaient écrits. Aucun document photographique ou enregistrement n'est disponible. |
 William T. Wiley & Steve Reich, Park Place Gallery, New York, 1968-69 |  |
William T. Wiley & Steve Reich, certainly testing Pendulum Music (?), 1968 — [Source]
Performance 2 - 05/1969 Whitney Museum(Edit)
Performance du 27 mai 1969 au Whitney Museum of American Art de New York, avec Richard Serra, James Tenney, Bruce Nauman, Steve Reich et Michael Snow. Durant l'exposition collective Anti-Illusion: Procedures/Materials du 19 mai au 6 juillet 1969, organisée par Marcia Tucker et James Monte et à laquelle participaient : André, Asher, Benglis, Bollinger, Duff, Ferrer, Fiore, Glass, Hesse, Jenney, Le Va, Lobe, Morris, Nauman, Reich, Rohm, Ryman, Serra, Shapiro, Snow, Sonnier, et Tuttle. Soirée concert du 27 mai : An Evening of Music by Steve Reich : Four Log Drums (1969) (Jon Gibson, Philip Glass, Richard Landry, Arthur Murphy, log drums; Steve Reich, phase shifting pulse gate), Pulse Music (1969) (Steve Reich, phase shifting pulse gate), Pendulum Music (1968) (Bruce Nauman, Steve Reich, Richard Serra, Michael Snow, James Tenney), Violin Phase (1967) (Paul Zukofsky, violin and tape) → [Lire le catalogue de l'exposition (PDF)] — [Source] L'exposition Anti-Illusion: Procedures/Materials s'appuyait sur l'hypothèse que l'art crée de l'ordre à partir du chaos de l'expérience. L'exposition offrait des propositions et œuvres choisies qui se présentent elles-mêmes comme désordres, chaotiques, inharmonieuses ou d'aspect anarchique. Un tel art nous prive de la pleine réalisation de nos attentes esthétiques et offre, au contraire, une expérience qui ne peut être anticipée ni immédiatement comprise. De telles œuvres n'émaneraient pas de préconceptions ou de pré-déterminations que les artistes cherchent à exprimer pour elles-mêmes, mais de résultats de l'activité de réalisation (processes) et des conditions et des impératifs des matériaux et des dispositifs utilisés. [Pour certains artistes de cette exposition, le sens résulte de l'activité de fabrication de l'œuvre ; pour d'autres, le sens réside dans la configuration dictée par le choix des matériaux ; pour d'autres encore, le sens peut être trouvé dans une intention exprimée. Dans tous les cas, sens et matière sont indissociables. Lorsque nos normes esthétiques sont remises en question, le facteur de négation peut nous paraître plus évident au premier abord que la signification de la contestation. Avec le temps, les caractéristiques les plus sévèrement critiquées de ces nouvelles œuvres peuvent finalement s'avérer leur force.] (extrait du catalogue du texte de Marcia Tucker) One of these assumptions has been that art creates order from the chaos of experience; it is presumed that our understanding of a work of art is equivalent to our grasp of the formal or conceptual order inherent in it. ... We are offered an art that presents itself as disordered, chaotic, or anarchic. Such an art deprives us of the fulfillment of our aesthetic expectations and offers, instead, an experience which cannot be anticipated nor immediately understood. By negating prior orientations, our personal aesthetic values are also challenged. If, then, no preconceived order reveals itself to our scrutiny, we must ask if there are other ways in which a work of art can be meaningful. ... They do not evolve from a preconception of order which the artist is trying to express, but from the activity of making a work and from the dictates of the materials used. A relational logic has been re- placed by a functional one. ... For some artists in this exhibition, meaning results from the activity of making the work; for others, meaning resides in the configuration dictated by the choice of materials; for still others, meaning can be found in an expressed intention. In all cases, meaning and material cannot be separated. When our aesthetic norms are chal- lenged, the factor of negation may appear more obvious to us at first than the significance of the challenge, In time, the most severely criticized characteristics of these new works may ultimately prove to be their strength. (extrait du catalogue, texte de Marcia Tucker) → [Voir une page du catalogue (Steve Reich)] → [Lire une interview de Richard Serra (Steve Reich website)] → [Lire un article de recherche de Shinoda Hiroki (2012) à propos de l'art post-minimal et des processus graduels de Steve Reich] Aucun document enregistrement audio ou video n'est disponible. Steve Reich dans le catalogue 'Anti-Illusion: Procedures/Materials(1969) : La musique comme processus graduel : Je ne parle pas du processus de composition, mais plutôt de morceaux de musique qui sont, littéralement, des processus. (Music as a Gradual Process : I do not mean the process of composition, but rather pieces of music that are, literally, processes.'' |
Dans Writings on Music (1965-2000), Steve Reich définit la musique processuelle en reprenant ce qu'il avait indiqué dans le catalogue de 1969 Anti-Illusion: Procedures/Materials (p.56) : "Jouer et écouter de la musique qui est un processus perceptible et graduel ressemble à : retourner un sablier et regarder le sable couler lentement jusqu'au fond ; retirer une balançoire, la relâcher et l'observer s'immobiliser progressivement; mettre les pieds dans le sable au bord de l'océan et regarder, sentir et écouter les vagues les ensevelir peu à peu. [...] Le matériau peut suggérer le type de processus qu'il devrait suivre (le contenu suggère la forme), et le processus peut suggérer le type de matériau qui doit être parcouru (la forme suggère le contenu). Si la chaussure convient, portez-la. [...] Les processus musicaux peuvent donner un contact direct avec l'impersonnel et aussi une sorte de contrôle complet, et on ne pense pas toujours que le contrôle impersonnel et complet vont de pair. Par "une sorte" de contrôle complet, je veux dire qu'en faisant passer ce matériau par ce processus, je contrôle complètement tout ce qui en résulte, mais aussi que j'accepte tout ce qui en résulte sans changement. [...] Nous écoutons tous ensemble un tel processus car il est tout à fait audible, et l'une des raisons pour lesquelles il est assez audible est qu'il se produit de manière extrêmement progressive. [...] Je commence à percevoir tous ces détails infimes lorsque je peux maintenir une attention particulière et qu'un processus graduel suscite mon attention soutenue. Par « progressif », je veux dire extrêmement graduel et par gradations successives ; un processus qui se déroule si lentement et graduellement que l'écouter ressemble à regarder l'aiguille des minutes sur une montre - vous pouvez la percevoir bouger en la fixant et en patientant un peu de temps. [...] En jouant et en écoutant des processus musicaux graduels, on peut participer à un type de rituel particulièrement libérateur et impersonnel. Se concentrer sur le processus musical rend possible ce déplacement de l'attention produit par lui, oscillant entre lui et notre propre attention, et également entre nous (vous et moi), et entre ce qu'il produit lui-même et ce qu'il modifie autour." (Steve Reich, octobre 1968, catalogue Anti-Illusion: Procedures/Materials) |
Performing and listening to music that is a perceptible, gradual process resembles: turning over an hour glass and watch ing the sand slowly run through to the bottom; pulling back a swing, releasing it, and observing it gradually come to rest; placing your feet in the sand by the ocean's edge and watching, feeling m and listening to the waves gradually bury them. [...] Material may suggest that sort of process it should be run through (content suggests form), and processes may suggest what sort of material should be run through them (form suggests content). If the shoe fits, wear it. [...] Musical processes can give one a direct contact with the impersonal and also a kind of complete control, and one doesn't always think of the impersonal and complete control as going together. By "a kind" of complete control I mean that by running this material through this process I completely control all that results, but also that I accept all that results without changes. [...] We all listen to the process together since it's quite audible, and one of the reason's it's quite audible is because it's happening extremely gradually. [...] I begin to perceive these minute details when I can sustain close attention and a gradual process invites my sustained attention. By "gradual" I mean extremely gradual; aprocess happening so slowly and gradually that listening to it resembles watching a minute hand on a watch— you can perceive it moving after you stay with it a little while. [...] Focusing in on the musical process makes possible that shift of attention away from he and she and you and me outwards towards it. (Steve Reich, October 1968, Anti-Illusion: Procedures/Materials catalog). |
De gauche à droite : Richard Serra, James Tenney, Steve Reich, Bruce Nauman, Michael Snow — Credit photo : Richard Landry — [Source]
| Si nous observons le document photographique, nous pouvons remarquer que : • le socle ou proscenium, sur lequel sont posés les haut-parleurs, est circulaire, et d'une hauteur d'à peu près 0,30 / 0,40 m • les haut-parleurs ne sont pas alignés et sont posés en périphérie du cercle • les axes de balanciers des microphones sont des pieds de micros (hauteur maximale par rapport au sol : 2m / 2,20m ?) • les positions des lanceurs et des pieds de microphones permettent de déterminer les directions des axes des balancements. Ils sont à peu près tous excentriques les uns par rapport aux autres afin que les courses des microphones ne se croisent pas • il y a quatre interprètes (lanceurs) et un interprète "aux manettes" pour le contrôle du son (en l'occurrence Steve Reich) • le public est placé tout autour (en cercle ?) • Il faut comparer avec les images prises [par le photographe Richard Landry] lors de l'interprétation de Four Log Drums qui a suivi ou précédé (?) Pendulum Music puisque que le même plateau a servi : l'emplacement des pieds de microphones, les microphones tournés vers chaque interprète, les haut-parleurs (qui servent alors de sièges). (Selon Edward Strickland, in Minimalism : origins (Indiana University Press, 1993, p.200), le programme du concert au Whitney Museum of American Art le 27 mai 1969 était : 1/ Four Log Drums (avec Richard Landry, Art Murphy, Philip Glass, Jon Gibson, Steve Reich), 2/ Pulse Music (avec le Phase Shifting Pulse Gate), 3/ Pendulum Music (avec Richard Serra, James Tenney, Steve Reich, Bruce Nauman, Michael Snow), 4/ Violin Phase (par Paul Zukovsky).  Photo de la performance de Four Log Drums — Cliquer sur l'image pour l'agrandir |   (Première analyse — Toutefois la place et la direction du balancier de RS (Richard Serra) ne sont pas encore très bien fixées) |
Enregistrements audio(Edit)
1977 The Kitchen(Edit)
Joué à The Kitchen à New York (Chelsea, Manhattan) lors de la série de concerts de Steve Reich & Musicians qui s'est déroulée du 16 au 19 mai 1977. Un cd d'archives est sorti en 2005 intitulé "Steve Reich And Musicians – Live 1977" (Orange Mountain Music – OMM0018 - From The Kitchen Archives – N° 2) • performers : James Preiss, Jay Clayton, Russell Hartenberger, Steve Chambers, Steve Reich • durée : 5:58 (bientôt) |  [Plus d'info] |
1997/1998 Ensemble AvantGarde(Edit)
CD Ensemble Avantgarde - Wergo WER 6630-2 (1999) - Re-issue LP Karlrecords – KR026 (2015) Trois versions disponibles: • Version I •• for microphones, amplifiers, loudspeakers and performers (1968) — first version, four microphones ••performers : Electronics – Martin Demmler, Steffen Schleiermacher • durée : 4:38 • Version II •• for microphones, amplifiers, loudspeakers and performers (1968) — second version, four microphones ••performers : Electronics – Martin Demmler • durée : 5:01 • Version III •• for microphones, amplifiers, loudspeakers and performers (1968) ••performers : Electronics – Martin Demmler, Steffen Schleiermacher • durée : 4:38 |  [Plus d'info] |
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : Ensemble Avantgarde - Pendulum Music (I) - first version - 4 microphones - Wergo WER 6630-2 — 1997)
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : Ensemble Avantgarde - Pendulum Music (II) - second version - 4 microphones - Wergo WER 6630-2 — 1997)
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : Ensemble Avantgarde - Pendulum Music (III) - third version - ? - Wergo WER 6630-2 — 1997)
1999 Sonic Youth(Edit)
CD / LP Sonic Youth / Goodbye 20th Century - Sonic Youth Records – SYR 4 (1999) ————— Other issue "OHM: The Early Gurus Of Electronic Music" - Ellipsis Arts – CD3670 – (2000) • Recorded and mixed by Wharton Tiers, march-aug 1999, NYC • performers : Kim Gordon, Lee Ranaldo, Steve Shelley, Thurston Moore • durée : 5:55 |  [Plus d'info] [Plus d'info] |
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : Sonic Youth / Goodbye 20th Century - Sonic Youth Records – SYR 4 (1999)
2006 Ulrich Krieger(Edit)
CD An Anthology Of Noise & Electronic Music / Fourth A-Chronology 1937-2005 - Sub Rosa – SR250 (2006) ————— Other issue "Early American Minimalism - Walls Of Sound II - Wallpatterns-Patternwalls" - Sub Rosa – SR218 (2007) • Recorded and mixed at WW Studios Berlin, 2002–2003 • performers : Ulrich Krieger • durée : 7:28 |  [Plus d'info] [Plus d'info] |
Pendulum Music (Steve Reich)
(Source : An Anthology Of Noise & Electronic Music - Sub Rosa – SR250 -- Sub Rosa – SR218 — 2006)
Performances(Edit)
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| year | description | nb performers | dur. | more info | video access | |||||
| 1980 | — Centre College (Danville, KY, USA), Senior Lecture Recital, at Norton Centre for the Arts, Centre College, May 24, 1980 | — 3 performers | — durée env 6:00 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/ajo_Tmhpqec | |||||
| • haut-parleurs au sol • alignés, non accolés • accroches au plafond ? • les 3 performers du même côté et lâchers synchrones • la lumière s'éteint progressivement lorsque les sons deviennent de plus en plus statiques • arrêt prématuré de la performance (ampli qui chauffe trop) |   | |||||||||
| 2003 | — Liminal (Portland, Oregon, USA), Minimal at Liminal event, concert of American Minimal Music, at Liminal Space, 21-22 feb 2003 | — 4 performers | — durée ? | — [plus d'info] | — https://youtu.be/Z6r3HDn6wFU — https://vimeo.com/40402483 | |||||
| • haut-parleurs au sol • alignés et disséminés dans un grand espace • accroches au plafond • les 4 performers du même côté | | |||||||||
| 2008 | — University of Michigan (Ann Arbor, MI, USA), SEAMUS 2008, Salt Lake City, Utah, avril 2008 by Professor Mary Simoni's PAT101 class at the University of Michigan Chair of the Department of Performing Arts and Technology and Associate Dean for Research & Planning at University of Michigan | — 4+2 performers | — durée 7:20 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/UVpmA2GOMlE | |||||
| • haut-parleurs au sol • arrangés en carré "évasé" (trapèze) • accroches sur stands micros (bras courts, et placés juste à côté des hps) • les 4 performers à l'extérieur du carré • contrôle du son par une régie / table de mixage • deux performers pour la régie, chacun gérant deux haut-parleurs • et font moduler les larsens entre eux (notamment lors de la séquence finale) • cut final par régie |  | |||||||||
| 2009 | — Production 138 (Grenoble, Fr), performance devant la bibliothèque droit-lettres par le collectif Clacton-Tendring durant leur exposition Campus, Saint Martin D’Hères, Avec le soutien de Grenoble Universités, Crous, l’UFRSH, l’UPMF, BU Droit-Lettres | — ? performers ? microphones | — durée env 7:00 ? | — [plus d'info] | — https://youtu.be/64w3ebHLBi4 | |||||
| • en plein air • haut-parleurs au sol • disséminés dans une architecture extérieure et un parc • accroches au plafond, à une sculpture extérieure et à des branches • protocole lancement ? protocole extinction ? | ||||||||||
| 2009 | — Dartmouth Contemporary Music Lab (Vermont, USA), at the Spheris Gallery, monthly concert series, “The Way to Go Out”, 22 octobre 2009 with Devin Maxwell and Katie Porter, and Douglas Perkins, director of the music lab | — 4 performers ? microphones | — durée env 7:30 | — [plus d'info] — [plus d'info] | — https://youtu.be/oGQa1_pBQzE | |||||
| • haut-parleurs au sol • alignés, accolés • accroche au plafond ? • 2 performers de chaque côté • extinction par les 4 performers (switch off) |  | |||||||||
| 2010 | — a.P.A.t.T. Collaborations (Liverpool, UK), Liverpool’s historic Walker Art Gallery, 20 March 2010 part of the Musicians’ Gallery with National Museums Liverpool. | — 3 performers | — durée env 9:40 | — [plus d'info] — [plus d'info] — [plus d'info] | — https://youtu.be/GD2ccCVR6UA | |||||
| • haut-parleurs au sol • non alignés, non accolés • accroche des microphones sur stands • amplis guitare et gestion par table de mixage • extinction par 1 performer via table de mixage et switch off d'un ampli |  | |||||||||
| 2010 | — Reformance (Madrid, Sp), Recycled Performance Festival, Los Artistas del Barrio, 8 & 9 May 2010 by 12 o'clock Shadow and friends curated by Claudia Repilado Miranda & Christian Fernández Mirón | — 3 performers ? | — durée env 2:40 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/16165038 | |||||
| • trois amplis guitare au sol dans un appartement • alignés, non accolés • microphones suspendus sur des stands micros • Les 3 performers sont croisés, alternés (2+1) • lâchers synchronisés • réglage des volumes de certains amplis au fil de la performance • extinction progressive (fade out) par un des performers | | |||||||||
| 2010 | — Ohm Festival of Electronic Music (Los Angeles, CA, USA), Loyola High School Music Appreciation Students, 20 May 2010 by Steven Speciale | — 4 performers | — durée env 4:40 | — [plus d'info] — [plus d'info] | — https://youtu.be/cwUx20CLCUo | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol • mis en "carré" au centre d'une salle • microphones suspendus sur des stands micros, placés dans l'espace central des hps • les balances de micros se font dans le sens des tangentes du carré • lâchers synchronisés • protocole d'extinction ? |  | |||||||||
| 2012 | — Compact Gallery (San Luis Obispo, CA, USA), January 2012 installed by Jeff Jamieson and Jameson Swanagon | — 2 performers 4 microphones | — durée env 7:40 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/92456832 | |||||
| • quatre haut-parleurs différents au sol • alignés, non accolés • microphones suspendus au plafond • chaque performer lâche deux microphones • lâchers synchronisés • les deux performers et les 4 microphones sont placés du même côté • régie placée près du dispositif • Les deux performers reviennent dans l'espace et arrachent les prises micros sur la table de mixage |  | |||||||||
| 2012 | — Ohio University (Athens, Ohio, USA), Ohio University Percussion Ensemble, School of Music group, Feb 2012 School of Music Recital Hall, in Robert Glidden Hall room 400 | — 4+1 performers | — durée env 4:40 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/abEtBsiGMmw | |||||
| • deux fois deux haut-parleurs au sol • alignés, non accolés • les deux systèmes sont installés de chaque côté de la scène • microphones suspendus à deux portiques/stands de percussion • les deux performers sont placés du même côté pour chaque système • lâchers synchronisés • contrôle du son par le 4ème performer sur le bord de la scène • contrôle du son sur une petite table de mixage (et modulation des intensités et des tonalités par filtrages) • protocole de démarrage et d'extinction du son ? • extinction en cut |  | |||||||||
| 2012 | — MAXXI (Roma, It), LISTEN event, Museo Nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, 23 giugno 2012 Una coproduzione MAXXI B.A.S.E. e CAS-SUPSI Lugano (Université des Sciences Appliquées de la Suisse italienne), CSI (Certificate of Advanced Studies) di Lugano performers : Fabrizio Rosso, Francesco Bossaglia, Thomas Brusati, Carlo Maragni, Paolo Tarsi | — 4+1 performers | — durée env 3:50 | — [plus d'info] — [plus d'info] | — https://youtu.be/0kzfN3XFlTk | |||||
| • haut-parleurs au sol • en carré autour d'une audience • une régie sur un côté du carré • les performers sont à l'extérieur du carré face à chaque haut-parleur • extinction par la régie | | |||||||||
| 2012 | — Grame (Lyon, Fr), Concert USA Les pionniers américains, 11 octobre 2012 organisé par Grame, Conservatoire de Lyon et Université Lyon 2 au Grand Amphithéâtre de l'Université Lumière Lyon 2 Avec la participation des élèves du Conservatoire de Lyon classes de Stéphane Borrel (composition) et de Manuel Schweizer (piano) | — 2 performers ? | — durée env 5:30 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/53580368 | |||||
| • deux haut-parleurs au sol • non accolés • microphones suspendus à des stands de micros • les performers sont à l'extérieur du carré face à chaque haut-parleur • démarrage et extinction du son ? |  | |||||||||
| 2012 | — Musica Y Accion (Granada, Sp), Centro Jose Guerrero, 18 oct 2012 performers : Joan Cerveró, Víctor Trescolí, Isabel León, Estefanía Sánchez | — 4 performers ? | — durée env 9:00 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/fU6qDeJPT-w | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol • alignés, accolés • microphones suspendus à un grand stand • les performers sont alternés et croisés • démarrage et extinction du son ? |  | |||||||||
| 2012 | — ECAL (Lausanne, Switz), École cantonale d’art de Lausanne, 2nd year Bachelor in Visual Arts, November 2012 Part of the exhibition "There's a difference between a shaky or out-of-focus photograph and a snapshot of clouds and fog banks" Erwin Schrödinger. performers : Simon Acevedo, Mathieu Cart, Simon Paccaud, Olivier Schuppisser | — 4 performers | — durée env 5:30 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/65735964 | |||||
| • ampli guitares au sol • alignés, non accolés dans un grand espace • lâchers debout sur une chaise pour une plus grande amplitude • les 4 performers tous du même côté • microphones alignés suspendus au plafond ou sur une tringle (voir pied) • après les lâchers (synchronisés), chaque performer va allumer son ampli guitare • extinction des amplis par chaque performer pour la fin de la pièce |  | |||||||||
| 2012 | — Dpto. de Arte y Tecnología (?), Reinterpretación en el Dpto. de Arte y Tecnología, (Instalación y Espacio Sonoro), 2012 | — 4 performers | — durée (moment de test) | — [plus d'info] | — https://youtu.be/UUHgfs9DL5g | |||||
| • quatre hauts-parleurs au sol • alignés deux à deux, non accolés, que sur deux côtés d'un carré • les 4 performers sont alternés • microphones suspendus à un portique • contrôle du son ? (démarrage, extinction) |   | |||||||||
| 2013 | — Loadbang (NYC, USA), at the Susan Inglett Gallery (NYC), 10 mai 2013 | — 3+1 performers | — durée env 8:50 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/8P5gTwrr49M — https://vimeo.com/70333652 | |||||
| • trois haut-parleurs au sol • alignés, non accolés • microphones suspendus à un portique assez bas (type balançoire) • 2 performers d'un côté, un de l'autre • lâchers synchronisés • un 4ème performer gère le son (table de mixage ?) • extinction par le 4ème performer sur table mixage | | |||||||||
| 2013 | — Alison house (Edinburgh, UK), Reid School of Music, University of Edinburgh, 13 May 2013 performers : Kaikangwol Rungsakorn, Bowen Wu, Terry Peng | — 3 performers | — durée env 6:40 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/66237572 | |||||
| • trois haut-parleurs au sol • alignés, non accolés • microphones suspendus, sur un ou deux stands micros • les performers croisés, alternés (1+1+1) • lâchers synchronisés • les axes de balanciers tournent un peu et les microphones choquent les stands • contrôle du son ? (début et extinction) | | |||||||||
| 2013 | — La Générale d'Expérimentation (Dijon, Fr), « Minimal 69 », dans le cadre de la Nuit des Musées, 18 mai 2013 au Centre d'Art Contemporain Le Consortium et en partenariat avec le FRAC Bourgogne performers : Baptiste Chatel, Antoine Dumont, Olivier Dumont, Nicolas Thirion | — 4 performers | — durée env 8:00 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/DULmeaKpxGg | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol • en rectangle • microphones suspendus, sur gril de la salle • les balanciers sont tous dans le même sens (côtés du rectangle les plus longs) • lâchers synchronisés • contrôle du son ? (début et extinction) |   | |||||||||
| 2013 | — Sound and Music Processing Lab (Padova, It), LLM4, Living Lab Music 4, Auditorium "Pollini", Padova, 31 mai 2013 performers : Simone Arrighi, Gianluca Colombo, Matteo Girardi, Giulio Natali - Devid Bianco, sound direction | — 4+1 performers | — durée env 9:23 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/144967812 | |||||
| • version de scène (concert) • quatre haut-parleurs au sol • alignés, non accolés • microphones suspendus, très haut, sur gril de la salle • les balanciers sont tous dans le même sens • les performers sont assis derrière les haut-parleurs face au public • chaque microphone est équipé d'une torche (lumière bleue ?) • la performance commence dans le noir complet (sauf les 4 torches) • lâchers synchronisés • la lumière salle se rallume juste avant le moment de fin (coupure du son) • les 4 performers se lèvent et saluent • contrôle du son ? (début et extinction) |   | |||||||||
| 2013 | — Dia mundial del Sonido (Valencia, Sp), Universidad Politécnica de Valencia, 22 octobre 2013 Asigantura de Arte Sonoro. Master en Artes Visuales y Multimedia, Departamento de Escultura. UPV Iniciativa de la Sociedad Española de Acustica (SEA) organisation : DeCo Nascimento, Miguel Molina, Carlos García, Raúl León. participation : Joaquín Gil, Nieves González, Miguel Jaramillo, Florencia Piñón, Jose Vicente Altamirano, Alexandre García, Carlos Gómez, Paula González-Garzón, Amy Ignacio, Guillermo Lechón, Daniel López, Patricia Margarit, Javier Robles, Laura Rodrigo, Ainhoa Salas, Julio Sosa, Germán Torres, Luis Urquieta. | — 4+1 performers | — durée env 4:30 | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/77615299 | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol • alignés, accolés • microphones suspendus, au plafond ? • les performers de chaque côté alternés (1+1+1+1) • lâchers synchronisés • régie placée au bout de la file de haut-parleurs • contrôle du son par le 4ème performer (table de mixage) • contrôle des intensités à la table de mixage pdt la performance • extinction : cut à la fin ? | | |||||||||
| 2014 | — ENSAS (Grenoble, Fr), ENSAS École nationale supérieure d’architecture de Strasbourg, 31 avril 2014 Programmation 2014 : «Labo-son» Marine Angé, Pauline Desgrandchamp, Nicolas Despas et Alexandre Sakharov | — 2 performers | — durée env 4:30 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/DsXUipj9HzE | |||||
| • deux haut-parleurs au sol • alignés, côte à côte • microphones suspendus, sous une très grande hauteur (hall avec escalier) • l'axe de balancier semble fixé à un balcon au-dessus donnant dans la "fosse" • les 2 performers tous du même côté • après les lâchers (synchronisés), chaque performer va allumer son ampli guitare • contrôle du son ? (début et extinction) | | |||||||||
| 2014 | — ENSA ETALM Le Mans (Fr), École nationale supérieure d’art ETALM Tours Angers Le Mans, site du Mans, 21 novembre 2014 étudiants de l'école et Philippe Langlois, enseignant, histoire et théorie du sonore performers : Pierre-Marie Blind, Léo Urriolabeitia, Koré Préaud, Tanguy Clerc, Arthur Chambry, Rémy Hertrich | — 4 performers | — durée env 10:00 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/HTlm2bpbd8Q | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol • alignés, accolés • microphones suspendus, au plafond ? • régie (deux amplis) au bout de la ligne des haut-parleurs • les performers deux à deux (croisés) de chaque côté • lâchers désynchronisés • contrôle du son ? (début et extinction) | | |||||||||
| 2014 | — UPenn (Philadelphia, PA, USA), University of Pennsylvania, Department of Music, 4 dec 2014 performance by the undergraduate students of Music 330 - Experimental Music, under the instruction of Dr. Thomas Patteson and Prof. Eugene Lew performers : Jonathan Allsop, Jennifer Byrnett, Daniel Carsello, Nick Hailey, Sam Horn, Sophie Kim, Sarah Lindstedt, Page Masonson, Sadiki Saunders, Dr. Thomas Patteson, and Prof. Eugene Lew | — 4 performers | — durée env 7:50 | — [plus d'info] | — https://youtu.be/C2APYphR_rg | |||||
| • quatre haut-parleurs au sol dans une rue ou un passage • alignés, non accolés • microphones suspendus, sur un portique • régie (deux amplis) au bout de la ligne des haut-parleurs • les performers deux à deux (croisés) de chaque côté • lâchers synchronisés • position stationnaire finale très longue (influence et reprise des sons environnants (voix, cris) • contrôle du son au début ? • extinction par les performers en débranchant les prises électriques | | |||||||||
| 2014 | — Universität Kassel (Ger), Pendulum Music at a the Minimal Festival 2014 in Kassel, 4 dec 2014 by Victor Diegel preparation for "Minimal World" project seminar at Institut für Musik, Universität Kassel | — 1 performer | — durée — | — [plus d'info] | — https://youtu.be/nKwvCWP06ys | |||||
| • quatre amplis guitare posés chacun sur un siège de piano • alignés, non accolés • microphones suspendus à partir d'un filin tendu entre deux murs et proche du plafond (ici très haut) • séance de réglages des larsens sur les amplis (tonalités, intensités) et des hauteurs de sièges • les lâchers croisés, deux à deux, ou non ? |  | |||||||||
| 2015 | — Josh Brown (?), Performed by Josh Brown for his dissertation on this piece of music, 2015 | — 1 performer | — durée — | — [plus d'info] | — https://youtu.be/h-TH3vWJ_0c | |||||
| • quatre amplis guitare posés au sol • alignés, non accolés • microphones suspendus sur des stands de micros • le performer lâche les micros l'un après l'autre, après avoir allumé avant chaque lâcher, l'ampli correspondant • les lâchers tous dans le même sens • les lâchers ne sont pas synchrones et ne sont pas "calés" volontairement • des battements de fréquence ont été recherchés (voir séquence finale stationnaire) • pour l'extinction le performer arrache la prise électrique |  | |||||||||
| 2015 | — BC Music & Tech (?), Berkeley Carroll School, 2015 teachers : Nicholas Marchese, Rafael Sanchez, & Jason Gaines, 2015 performé avec des adolescents de 14 et 15 ans | — 4 performers | — durée — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/121459715 | |||||
| • quatre amplis guitare et haut-parleurs (disparates) posés au sol • alignés, presque accolés • microphones suspendus au plafond ? et maintenus par d'autres personnes (auditeurs) • performers croisés, alternés, 1+1+1+1 • lâchers synchronisés • contrôle du son ? | | |||||||||
Covers(Edit)
| 2009 | — "It swung back and forth, back and forth until forever. Then it stopped and it howled endlessly" - by Dave Allen, Four electric guitars are suspended from the ceiling. Four amplifiers are connected. at allgirls Berlin, 10.10.2009 | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/26861718 | |||||
| 2010 | — Feed My Speaker - by Danny de Graan, a composition based on Pendulum Music by Steve Reich, for Lunapark Ensemble funded by the Fonds PodiumKunsten in the Netherlands at de Toonzaal in Den Bosch on October 7th 2010 | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/17807004 | |||||
| 2010 | — Pendunome - by Spencer Topel, Paula Matthusen, and Jurai Kojs, Spencer Topel and Alison Mattek perform "Pendunome," a mashup of Ligeti's "Poème Symphonique for 100 metronomes" and Steve Reich's "Pendulum Music" October 28, 2010 | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/16985995 | |||||
| 2011 | — by Jessica Lynch, documentation of an installation/performance by Jessica Lynch and Amy Mills at Massachusetts College of Art, 2011 4 microphones and one electric guitar suspended over 5 amplifiers | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/37706345 | |||||
| 2014 | — Pendulum Music: A Cover Version (1 & 2) - by Kusum Normoyle, for "Grotto Cover Version", University of Newcastle, Australia, 2014 | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/96860308 — https://vimeo.com/97026192 | |||||
| 2014 | — Pendulum Music - by ACSO, Test con Hamacas - Barrio de Parque de los Patricios en el parque Ameghino el taller de Activismo Sonoro | — | — | — [plus d'info] | — https://vimeo.com/117946594 | |||||
| 2014 | — Pendulum Music - by KEZN, Le projet de Kezn est de reprendre dans le répertoire de la musique expérimentale des processus de compositions remarquables, et d’en déduire un équivalent visuel. Il ne s’agit pas de fournir des images pour une musique, ni de visualiser des effets musicaux, mais de traiter le son et la lumière par un procédé unique. Barbara Dang : son, objets, claviers / Lionel Palun : lumière, objets, caméra, vidéo / Gordon Pym : son, objets, électronique Cinéma l’Univers à Lille, 15 janvier 2015  | — | — | — [plus d'info] | — |
Pendulum (Reich) & Pendule (Foucault)(Edit)
 Une expérience publique du pendule de Foucault réalisée au Panthéon le 2 octobre 1902 (par Camille Flammarion et Alphonse Berget) pour le centenaire de la découverte faite par l'astronome Jean Bernard Léon Foucault qui fit sensation à l'Exposition de Paris de 1851. |
Lire la suite - septième partie / Continue reading - part7 - Pulse Music (1969)